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**Q : On entend parfois parler de consultant·e·s ou conseiller·ère·s en art. Comment leur rôle se compare-t-il par rapport à celui des galeries ?**

**Anie Deslauriers**: Les consultant·e·s ou conseiller·ère·s en art jouent un rôle complémentaire à celui des galeries dans l’écosystème de l’art contemporain. Leur travail consiste principalement à accompagner des collectionneur·euse·s – qu’ils soient débutant·e·s ou expérimenté·e·s – dans la définition et le développement de leur collection. Ils peuvent les aider à mieux comprendre le contexte artistique, à identifier des artistes ou des œuvres qui correspondent à leurs intérêts, et à naviguer le marché de l’art.

Les galeries, pour leur part, occupent une position centrale dans le soutien et la diffusion du travail des artistes. Elles représentent souvent les artistes sur le long terme : elles organisent des expositions, produisent des œuvres, accompagnent le développement des carrières et construisent une visibilité critique et institutionnelle autour de leur pratique.


**Q : Comment décririez-vous votre rôle de consultante en art à quelqu’un·e qui commence à s’intéresser au collectionnement ?**

**Danna Heitner**: Le rôle d’un·e conseiller·ère en art est d’offrir un accompagnement dans le collectionnement, l'acquisition, la mise en valeur et la conservation d’œuvres d’art.

Cette relation commence toujours par *l'éducation*. L'éducation est un échange mutuel. Acquérir une compréhension approfondie des intérêts, des objectifs et du budget du client·e est primordial. À partir de là, il s'agit de lui présenter des œuvres adaptées à ses goûts. Idéalement, permettre au client·e de voir le plus d'œuvres possible en personne est le meilleur moyen de cultiver son sens esthétique.

Il appartient au conseiller·ère d'aider le client·e à *naviguer* dans le marché de l'art complexe en lui donnant accès à des artistes, des galeries, des marchands, des foires d'art et des maisons de ventes aux enchères. Un·e bon·ne conseiller en art a tissé des relations importantes avec les acteurs clés qui faciliteront l'acquisition d'œuvres. 


**Q : Concrètement, qui prend en charge les services du ou de la consultant·e ? La galerie ou le client·e ?**

**Anie Deslauriers**: En général, dans mon expérience, ce sont les collectionneur·euse·s ou les client·e·s qui retiennent les services d’un·e consultant·e en art et qui rémunèrent cet accompagnement. Le consultant·e agit donc principalement dans l’intérêt de son client·e, en l’aidant à identifier des œuvres, à mieux comprendre le marché et à développer une collection.

Dans certains cas, des ententes peuvent exister entre la galerie et le consultant·e concernant la structure d'une commission sur les ventes effectuées par le consultant·e. 

Cet aspect de la collaboration doit être mis au clair dès le début afin que tout se déroule sans anicroche!


**Q : Selon vous, en quoi les consultant·e·s peuvent-ils contribuer à rendre le collectionnement plus accessible ou plus facile pour les collectionneur·euse·s en devenir ?**

**Anie Deslauriers**: Les consultant·e·s peuvent jouer un rôle rassurant pour les collectionneur·euse·s qui débutent. En partageant leurs connaissances du milieu, ils aident à démystifier le marché de l’art, à mieux comprendre les démarches artistiques et à faire des choix éclairés.

Je pense que cet accompagnement peut rendre les premières acquisitions plus accessibles et moins intimidantes, tout en encourageant une relation plus durable et confiante avec les galeries et les artistes — notamment dans des contextes de découverte comme Plural.

**Q : Pouvez-vous donner un exemple concret de la façon dont vous avez accompagné un·e client·e dans l’acquisition d’une œuvre ?**

**Mylène Lachance-Paquin**: Dans mon approche, l’acquisition ne se limite pas à un achat : c’est un acte stratégique et engagé, motivé par une vision et une intention, et guidé par une lecture fine du marché.

J’ai récemment accompagné une cliente souhaitant structurer une collection dès ses débuts, avec la volonté de s’inscrire dans des pratiques contemporaines engagées. Mon rôle a été de traduire cette intuition en axes clairs, puis d’identifier des artistes dont le travail présentait à la fois une pertinence conceptuelle et une résonance avec ses valeurs.

Je suis intervenue comme intermédiaire active, en facilitant l’accès aux œuvres, en favorisant le dialogue avec les galeries et en coordonnant la vente, la facturation, l’encadrement, la livraison et l’installation chez la cliente.

Dans un marché encore souvent opaque et marqué par des biais systémiques, cette médiation est essentielle. Ce qui m’importe, c’est de contribuer à la construction de collections qui s’inscrivent dans le temps, tant sur le plan critique qu’en cohérence avec les valeurs de la personne collectionneuse.


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### En conclusion

Pour commencer à collectionner, il faut prendre le temps de regarder et de découvrir : visiter des expositions, rencontrer des galeristes et se familiariser avec différentes pratiques artistiques. Il est aussi utile de poser des questions et de s’informer – sur la démarche de l’artiste, le contexte de l’œuvre ou le fonctionnement du marché. Les galeries et les  consultant·e·s jouent un rôle clé dans cet accompagnement et peuvent guider les nouveaux·elles collectionneur·euse·s dans leurs premières acquisitions. Enfin, des événements comme **Plural** offrent une occasion privilégiée de découvrir plusieurs galeries et artistes au même endroit, ce qui peut constituer une excellente porte d’entrée vers le collectionnement.

Que vous soyez néophyte ou collectionneur·euse aguerri·e, l'écosystème artistique regorge de ressources et de personnes prêtes à vous accompagner!


**Vous souhaitez faire appel à un·e consultant·e en art? Écrivez à [info@agac.ca](mailto:info@agac.ca) pour trouver des professionnel·les de confiance à travers le Canada**

**Anie Deslauriers** *est la directrice générale de l'Association des galeries d'art contemporain (AGAC), un organisme à but non lucratif qui regroupe et représente des galeries commerciales d'art contemporain au Canada. Ayant œuvré au sein du milieu institutionnel et du milieu des galeries, notamment au Musée des beaux-arts de Montréal et à la galerie Blouin Division, elle possède une connaissance approfondie du réseau des galeries et du marché de l'art contemporain.*

**Danna Heitner**, *basée à Toronto, est conseillère en art contemporain et fondatrice de [Danna Heitner Advisory](https://www.dannaheitneradvisory.com/). Elle collabore avec des collectionneur·euse·s privé·e·s, des client·e·s corporatifs ainsi que des architectes et designers d'intérieur pour créer des espaces de vie et de travail inspirants. Forte de 30 ans d'expérience et d'une participation active continue, [Danna Heitner Advisory](https://www.dannaheitneradvisory.com/) offre un regard avisé et l'accès à un réseau mondial. Grâce à son accompagnement, les acquisitions artistiques de ses client·e·s se sont révélées à la fois personnellement significatives et financièrement judicieuses.*

**Mylène Lachance-Paquin**, *basée à Montréal, est commissaire indépendante, rédactrice, consultante et fondatrice d'[Ogive](https://ogive.ca/). Par l'entremise d'**[Ogive](https://ogive.ca/),** elle intègre l'art contemporain à des événements, des entreprises, et des immeubles, en offrant un service de conciergerie artistique sur mesure. [Ogive](https://ogive.ca/) vise à créer des expériences qui subliment les environnements corporatifs et rapprochent l’art du grand public, en restant fidèles aux valeurs des client·e·s.*

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L'écosystème artistique regroupe une panoplie d'acteur·ice·s différent·e·s – artistes, galeries, centre d’artistes autogérés, conseiller·ère·s, consultant·e·s et autres – dont les rôles se complètent sans toujours être bien compris. 

Cet article vous propose de démystifier ces dynamiques, plus particulièrement **le rôle des consultant·e·s en art**, pour mieux comprendre comment ils contribuent à rendre l'art plus accessible et où ils s'inscrivent dans le marché.

Pour ce faire, des professionnelles du milieu – Anie Deslauriers, directrice de l'AGAC ayant travaillé dans le milieu des galeries pendant plusieurs années, ainsi que des conseillères en art œuvrant à Montréal et à Toronto, Mylène Lachance-Paquin et Danna Heitner, – décortiquent le rôle des consultant·e·s et conseiller·ère·s en art à travers ce Q&A.


Collectionner : démystifier le rôle des consultant·e·s en art 

## À l’occasion de la quatrième édition de la foire Plural, Loto-Québec s’associe à nouveau à l’organisme artch pour offrir une vitrine aux artistes en émergence. 

La saturation ou l'excès est propre à chacune, chacun. Nos limites ne sont pas universelles, et
nous ne sommes pas saturé·es de la même manière. La charge émotive face à un événement
n'a pas le même poids pour tout le monde et c'est peut-être là que réside toute la complexité du
phénomène : ce qui fait basculer l'un·e, laisse l'autre encore dans une zone tenable. Ce point
de bascule est inhérent à chaque personne.

Chacun ses affects, chacun son seuil.

La surcharge ressemble à un appel à l'aide : le moment où le corps, le cœur, les sens atteignent une limite. Un signal. Une alarme intérieure. Le corps qui parle quand la raison refuse encore d'entendre.

Ce minuscule moment où tout bascule, où le « plus » n'est plus synonyme du  
« mieux », c'est là que cette exposition prend racine. Cette pensée intrusive, ce micro-état qui nous dit que c'est trop et que tout est sur le point de déborder . Ce qui était acceptable ne l'est plus. Un glissement imperceptible qui change tout. Le moment où le supportable devient insupportable, où le plein devient trop-plein.

Ce point de non-retour est riche : il contient en lui toute une histoire d'accumulation, de patience épuisée, de seuils franchis. Volcan d'avant éruption ou Big Bang, une concentration infinie de matière et d'énergie qui ne peut plus tenir dans son propre espace et doit exploser pour exister autrement.

Cette exposition pense la saturation comme condition de la création, de la transformation radicale.

Car la saturation, c'est aussi l'extase, l'exaltation, le jouissif , le lâcher-prise. Une perte de contrôle qui peut être douce et fatidique à la fois. Le mécanisme est le même, qu'on lui prête une connotation ou une autre : ça monte, ça monte et, tout à coup, ça explose. Que ce soit dans la jouissance ou dans l'effondrement, c'est le même mouvement ascendant qui cherche sa libération.

La saturation contient en elle cette double promesse : celle de l'épuisement ou de la révélation.
Le moment où quelque chose cède, où quelque chose enfin peut advenir.

Le point de rupture comme possibilité.

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Avec les artistes : 

Artiste visuelle montréalaise, **Janna Yotte** développe une pratique sculpturale qui explore le corps, la vulnérabilité et la transformation. Formée en photographie et en graphisme, elle entame sa carrière grâce aux collages avant d'opérer un virage vers des œuvres tridimensionnelles percutantes.

Artiste interdisciplinaire basée à Tiohtià:ke/Montréal, **Gabrielle Turbide** développe une pratique à l'intersection de l'art, de la biologie et de la technologie. Elle s'intéresse aux formes d'effacement imposées, qu'il s'agisse de corps, de voix ou d'écosystèmes, et aux dynamiques de résistance qui les habitent.

Originaire de Gatineau, **Zacharie Gauvreau** est un artiste interdisciplinaire montréalais, diplômé en arts visuels et médiatiques de l'UQAM. Récipiendaire de la bourse d'excellence de la fondation McAbbie (2023), son travail a été exposé dans des galeries, centres d'artistes et festivals à travers le Québec, notamment à Blouin Division (2026), l'Atelier Silex (2025), artch (2023), Art Souterrain (2021) et AXENÉO7 (2019).

Graveur québécois reconnu, **Guy Langevin (Collection Loto-Québec)** pratique la taille-douce avec une maîtrise qui fait de chaque estampe un événement visuel. Son travail explore les zones d'ombre et de lumière, au sens propre comme au sens figuré, en travaillant des sujets où la douceur et la noirceur coexistent sans se résoudre.

Artiste visuelle dont la pratique interroge la mémoire de l'image et les limites des supports, **Florence Viau** travaille à la tension entre la permanence de la pierre et la fugacité de l'écran. Son œuvre explore ce que signifie fixer une image, et ce qu'on perd lorsqu'on tente de le faire.

Né à Port-au-Prince, **Vladim Vilain** est un artiste visuel dont la pratique se construit entre Haïti et le Canada, où il s'installe en 2012. Travaillant principalement à travers la photographie, il aborde l'image comme un espace de transformation où mémoire, spiritualité et identité se rencontrent. Ancrée dans l'afro-surréalisme, sa pratique puise dans des traditions ancestrales et le folklore pour construire des univers situés entre le visible et l'invisible.

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*Par Manon Pouliot, Responsable de la Collection Loto-Québec, et Sarah Kitzy Gineau Delyon, directrice de artch*




Loto-Québec présente artch : Vertige de l'excès

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###### 1. Nicholas Crombach - Art Mûr
## *Cross Section III*, 2024

*Cross Section III* explore l'imbrication des matériaux naturels et artificiels à travers les langages de la géologie, de la muséologie et de l’exposition. L'œuvre réfléchit aux frontières floues entre nature et culture qui définissent notre ère géologique actuelle. La palette de couleurs et le regroupement de matériaux soigneusement composés mettent en évidence la manière dont les matériaux s'accumulent, persistent et se transforment au fil du temps. L'assemblage de ces objets suggère ainsi l'avènement d'un monde dans lequel les histoires naturelles et humaines sont indissociables. *Cross Section III* invite à réfléchir sur l'hybridité des matériaux, les systèmes d'exposition et la manière dont les objets portent en eux des histoires multiples, existant à la fois comme vestiges du passé et participants actifs du présent.

*Cross Section III sera situé au 2e étage en face des escaliers et du kiosque de Loto-Québec, au P06.*

 

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###### 2. Christos Pantieras - de Montigny Contemporary
## *In Bits and Pieces*, 2018
   

*In Bits and Pieces* explore les récits et les circonstances d’hommes qui cherchent discrètement à avoir des relations intimes avec d’autres hommes. Des phrases telles que « Ma femme ne sait pas que je fais ça », « On me dit que je suis vraiment doué » et « Je suis débutant » révèlent le secret, l'excès de confiance et l'initiation. Tirées des descriptions de profils sur des plateformes de rencontre et de séduction en ligne, ces déclarations fonctionnent comme des confessions condensées, distillant des situations personnelles complexes en brèves déclarations.

L’œuvre prend la forme de panneaux à lettres et de panneaux sur socle, des objets généralement utilisés pour communiquer, informer ou donner des indications. Réutilisés ici, ils font référence à l'expérience humaine, présentant des déclarations chargées d’émotions tirées directement de profils anonymes. Ces sculptures anthropomorphiques sont à la fois les témoins et les participants d’un monde virtuel façonné par le désir, la vulnérabilité et la dissimulation. En tant que spectateur·ice·s, nous sommes confronté·e·s à des moments d’anticipation, de perte et d'incertitude, et nous sommes amené·e·s à nous demander si ces histoires se dénouent lentement ou si elles se reconstruisent, pièce par pièce.

*In Bits and Pieces pourra être vue au 1er étage, en face de la revue Esse, kiosque R01.*


 

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###### 3. Douglas Scholes - Galerie Robertson Arès
## *(Qu'est-) Ce qui se produit quand une chose est entretenue (?)*, 2026


Douglas Scholes explore la temporalité et la vulnérabilité au sein de cette installation sculpturale composée d’environ 1 500 briques de cire d’abeille. La cire confère une expérience sensible multiple : ses arômes chauds et organiques introduisent une dimension olfactive, tandis que sa fragilité, en contraste avec la dureté d’une brique traditionnelle, souligne la précarité des tours face au temps, aux interventions humaines et aux conditions environnementales.

**Performances de l'artiste Douglas Scholes**  
**Vendredi 10 avril, à 17h / Samedi 11 avril, à 13h / Dimanche 12 avril, à 15h**

Pendant la foire, l’artiste interagira avec les structures par des gestes d’entretien, de reconfiguration et de réparation, révélant la tension entre le transitoire et le durable.

*(Qu'est-) Ce qui se produit quand une chose est entretenue (?) sera situé au 1er étage en face de la Galerie Robertson Arès, kiosque 118, et à côté de la galerie Wishbone, kiosque 138.*

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###### 4. Stanley Wany - ELLEPHANT
## *Pè Béto*, 2025 & *Sur le chemin de Port-au-Prince*, 2024–2025
 

Inspirée par les Zangbeto, les gardiens nocturnes traditionnels du Vodún chez les peuples ogu du Bénin et du Togo, *Pè Béto* réimagine leur puissante forme de mascarade. Caché à l’intérieur de la sculpture, un haut-parleur diffuse une musique enregistrée par le grand-père de Wany, Albert Gibbs. Sur cet enregistrement, il interprète des pièces à la mandoline dédiées à chacun de ses enfants qui a quitté Haïti au début des années 1970. La sculpture devient ainsi un réceptacle de mémoire diasporique, portant des récits de départ, de déracinement et de continuité entre les générations.

*Sur le chemin de Port-au-Prince* s’inspire de l’histoire de la famille de Wany en Haïti, qui a fondé et dirigé une usine de transformation du café au milieu du XXe siècle. De la culture à la torréfaction, la production du café reposait sur le savoir-faire et le travail de celles et ceux qui le préparaient. Dessin et lavis d’encre se mélangent pour évoquer cette histoire familiale. Un lavis dominant mène vers l’entrepôt d’exportation, où les noms des cultivateur·ice·s et des familles ont été remplacés par l’étiquette générique « Café d’Haïti ».

**Causerie avec Stanley Wany**  
**Dimanche 12 avril, 13h - En français**

Rencontrez l’artiste Stanley Wany lors d’une discussion autour de l’installation présentée à la foire, où il explorera les notions d’héritage et de traditions au cœur de sa démarche.

*Retrouvez Pè Béto au 1er étage en face de la galerie ELLEPHANT, kiosque 115.*



Pour en savoir plus sur les installations de Plural, rejoignez Léa Lanthier-Lapierre pour [une visite guidée](https://www.plural.art/programmation) en français, *Tendre le fil : un parcours des installations*, le samedi 11 avril à 12h ou en anglais, *Weaving the Thread: A Walk Through the Installations*, le dimanche 12 avril à 15h!



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## Lors de votre visite à Plural, laissez vous porter par les installations de la foire. Ces installations grand format sont les œuvres qui ne rentrent pas dans les kiosques, de par leur nature hybride ou leur taille atypique, ponctuant l’espace et se déployant librement hors les murs. Ces projets spéciaux interrogent et redéfinissent l'interaction entre l'art et l'espace, offrant au public une immersion au-delà des formats habituels.

Sortez du cadre conventionnel and allez à la rencontre de ces installations, qui sont réparties sur les deux étages du Grand Quai: 



Au-delà du cadre : découvrez les installations phares de Plural 2026

La foire Plural est heureuse de présenter ***ANTICIPATION***, une exposition spéciale commissariée par Sophie Latouche. Vous pourrez la voir en personne au Pavillon, au deuxième étage du Grand Quai du Port de Montréal, du 10 au 12 avril 2026. 

Inspirée par le rôle de la science-fiction, notamment les écrits de l'auteure Octavia E. Butler, l'exposition *ANTICIPATION* explore le pouvoir prémonitoire des œuvres qui, par leurs matérialités et leurs gestes, habitent le présent tout en tendant vers ce qui vient. 

Les œuvres présentées envisagent le futur comme une pratique d’adaptation. Elles mobilisent la réutilisation de métaux, bois, textiles, plastiques, objets et images trouvés afin de mieux reconstruire. Face aux pressions économiques et écologiques, certains transforment des matières usées ou mises au rebut en ressources, une logique naturelle mêlant subsistance, disponibilité et idéologie. D'autres œuvres s'attardent sur des gestes intimes de réactivation, où le temps est appréhendé comme cyclique et événementiel. Fouillant les archives et recomposant des fragments du passé pour esquisser des mondes possibles, à la frontière de l'utopie, rassemblant une communauté au sein d'un même horizon.




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Cette attention portée à la temporalité s'incarne également dans des œuvres où le processus lui-même est un acte de projection : les mouvements chorégraphiques façonnent la matière afin d'appréhender autrement ce qui vient. Puis il y a ces récurrences qui traversent l'exposition, comme la machine, fonctionnelle ou allégorique. Certaines œuvres établissent des relations entre le corps et le mécanique, proposant une relecture autour de la notion d'autonomie : des sourires apparaissent sur des objets inanimés, des fleurs alimentées aux batteries, des tuyaux poussant un chant essoufflé. Le textile, ubiquiste, devient un véhicule annonciateur : les corps vulnérables auront-ils besoin de protection et de fonctionnalité pour se préparer à ce qui est à venir ?

Dans cette veine, *ANTICIPATION* met en conversation des œuvres dont la matérialité et le symbolisme abordent l'avenir comme un champ poreux et évolutif, fragile, précieux et menacé. Les visiteurs sont invités à considérer leurs propres anticipations, façonnées autant par la perte que par la possibilité de réinvention, soulignant l'importance de nos actions présentes et de nos imaginaires collectifs.

L’exposition présente des oeuvres des artistes suivant·e·s: 

- David Armstrong Six (Bradley Ertaskiran)
- Michelle Bui (McBride Contemporain)
- June Clark (Daniel Faria Gallery) 
- Betty Goodwin (Galerie Simon Blais) 
- Maggy Hamel-Metsos (Galerie Eli Kerr) 
- Anique Jordan (Patel Brown)
- Kelly Jazvac (Galerie Nicolas Robert) 
- Anne Low (Franz Kaka) 
- Jenine Marsh (COOPER COLE) 
- Caroline Monnet (Blouin Division)
- Bronson Smillie (Pangée)

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Par Sophie Latouche

***Sophie Latouche** est une commissaire indépendante et artiste basée à Tiohtià:ke/Mooniyang/Montréal. Sa pratique commisariale est axée sur l’image et son imbrication entre représentation et réalité. Elle est motivée par l’idée de capturer ou mettre en scène l’« instant présent », attentive aux mutations et aux influences des conditions économiques, médiatiques et technologiques sur les pratiques artistiques et leurs matériaux.*

*Anciennement directrice associée à la galerie Pangée, elle a cofondé et codirige la plateforme de net.art Galerie Galerie Web. Elle a également organisé diverses expositions sous l’alias Sophie présente, notamment à la Galerie Nicolas Robert, chez Vidéographe, à Family et Produit Rien.*






Spéculez sur des futurs possibles dans l'exposition collective "ANTICIPATION"

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Par la suite, dans la deuxième moitié de son existence, d’autres projets de l’AGAC ont suivi cette lancée. Notamment, dès 2007 sous la direction de Matthieu Gauvin, alors directeur de l’AGAC, la foire Papier s’est imposée comme un événement phare au fil de ses 15 éditions, avant de prendre le nom de Plural, qu’elle porte aujourd’hui. En effet, l’AGAC a continué à évoluer et à se développer à travers de nombreuses autres initiatives telles que le Gala des arts Visuels (2011-2014), le contrat type entre l’artiste et sa galerie avec le Regroupement des artistes en arts visuels (2012-présent), Feature: Contemporary Art Fair à Toronto (2014-2015), *Collectionner - le guide* (2016-2017), le Forum Marché de l’art (2019), la campagne *Retrouvez l’art d’ici* (2021), et plus récemment, Galeries Weekend (2021-présent) et la foire Plural (2023-présent). 

Rhéal Lanthier, propriétaire de la galerie montréalaise Art Mûr, membre de longue date, et président du CA de l’AGAC entre 2007 et 2013, croit que c’est à force de bâtir un public pour ces projets que l’Association a pu assurer le succès et la notoriété qu’elle connaît aujourd’hui: « Le dynamisme que l’Association a su injecter dans le marché, en créant des nouveaux·elles collectionneur·euse·s et un intérêt pour la collection avec plusieurs projets éducatifs, c’est ce qui fait que Plural va bien aujourd’hui. [...] Parce qu’un public a été développé pendant des années. » Il précise que l’union fait la force dans ce contexte aussi: « Le marché de l’art c’est en général des petites entreprises, [...] alors leur poids, leur capacité de promotion est limitée. [...] C’est seulement en se fédérant ou en travaillant en collaboration qu’on arrive à créer des projets qui arrivent à obtenir une couverture médiatique, une présence sur la scène locale. »


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D’autre part, au fil des années, l’AGAC a travaillé fort dans l’ombre en fédérant ses membres selon un code de déontologie rigoureux qui vise à assurer l’éthique et la qualité de chaque galerie. De plus, l’Association remplit son mandat en faisant du lobbying pour représenter ses membres auprès des instances gouvernementales et des institutions connexes, afin de défendre leurs intérêts, obtenir des financements, mieux soutenir les métiers de galeriste et d’artiste, de même que favoriser la reconnaissance et la vitalité du marché de l’art contemporain. Julie Lacroix rappelle que « c’est important d’avoir un porte-parole, un défenseur des intérêts de tous les secteurs, parce qu’on en a besoin pour faire connaître notre mission et notre vision. »



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Regroupant aujourd’hui 34 galeries à travers le Canada, notamment à Montréal, Québec, Ottawa, Toronto, Halifax et Vancouver, l’AGAC demeure un organisme à but non lucratif qui a pour but de défendre les intérêts moraux et économiques de ses membres, assurer la reconnaissance et la prospérité du marché de l’art contemporain au Canada ainsi que sensibiliser le public à l’art contemporain. En regardant vers l’arrière, Lorraine Palardy remarque que « la vision de l’AGAC semble porter fruit, et elle n’est pas trop éloignée du mandat initial: rejoindre les gens, le plus grand public possible, supporter les galeries, supporter les artistes ». 


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## Pour en savoir plus sur son histoire, visionnez sur notre chaîne Youtube la table ronde *40 ans de l’AGAC: réflexions et perspectives* ou abonnez-vous aux réseaux sociaux et à l’infolettre AGAC pour d’autres clins d'œil au passé! 

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## L’Association des galeries d’art contemporain (AGAC) célèbre en 2025 son 40e anniversaire, marquant quatre décennies d’engagement dans la défense et la promotion de l'art contemporain.

Au centre de la mission de l’AGAC est la représentation de ses membres - toutes des galeries d’art contemporain commerciales canadiennes - ce qui va de pair avec ses mandats de défense de la prospérité du marché de l’art contemporain, de sensibilisation du public autour du milieu des arts actuels ainsi que de contribution au rayonnement de l’art contemporain tant au Canada qu’à l’international. 

À l’origine l’Association des galeries d’art contemporain de Montréal (AGACM), elle a été fondée en 1985 par une vingtaine de directeur·ice·s de galeries montréalaises dans le but de chercher des solutions à leurs difficultés communes ainsi que de constituer une force qui puisse exprimer ses besoins et agir dans la cohésion. Lorraine Palardy, fondatrice des Impatients, galeriste, Chevalière de l’Ordre national du Québec, et ancienne présidente du Conseil d’administration de l’AGAC souligne l’importance de la solidarité dans le milieu: « On a essayé d’ouvrir cette association avec d’autres avenues, en se solidifiant avec d'autres partenaires. Il y avait plein de gens autour qui voulaient que l’AGAC réussisse. On sentait la volonté des artistes et des galeries. »

C’est ainsi que l’AGAC s’est rapidement imposée comme acteur important du milieu des arts visuels, de même que du marché de l’art canadien, avec des initiatives majeures comme la première expo-foire dédiée à l’art contemporain au Canada, L’Entrée libre à l’art contemporain (1987-1993), le *Magazine ETC* (1987-1992),  la Foire d’art contemporain (1994), le Prix Louis-Comtois (1991-présent), le Prix Pierre-Ayot (1996-présent), *Peinture Peinture* (1998), *Intersections Montréal-Toronto* (2000), Le Salon du Printemps (2002-2004) et beaucoup plus encore. Isabelle Lelarge, qui a dirigé l'Association entre 1988 et 1990, soutient que c’est à travers ces projets que l’AGAC a pu déployer ses ailes: « La qualité de ces événements a permis, chaque fois, de faire émerger une scène artistique très vivante, riche et très créative. » En effet, Julie Lacroix, qui a assuré la direction pendant plus d’une dizaine d’années, remarque c’est de cette manière que s’est déclinée la mission de l’AGAC: « On a choisi d’étendre le rôle de porte-parole du secteur pour non seulement couvrir leurs intérêts commerciaux, mais aussi élargir les publics par rapport à son offre, qui est l’art, donc éduquer, démocratiser, faire de la promotion. »


40e anniversaire de l’AGAC: Une rétrospective

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Voici quelques raisons qui pourraient motiver les gestionnaires et les compagnies à collectionner: 

## Soutien aux artistes 
L’achat des œuvres d’art par les entreprises québécoises représente un pourcentage important des transactions d’acquisition annuelles, certaines années s’élevant presque à celui des institutions muséales. De cette manière, les entreprises contribuent à diversifier le financement des arts en multipliant les sources, garantissant ainsi une plus grande indépendance aux artistes. 

En effet, grâce à la création d’une politique d’acquisition et l’élaboration de grandes lignes directrices, les entreprises collectionneuses affirment leur soutien au marché de l’art et se dotent d’outils pour favoriser cette relation avec les artistes. En fixant un nombre moyen d’acquisitions par année ou un montant alloué aux achats d’œuvres d’art annuellement, elles se portent garantes de la vitalité du domaine artistique et démontrent leur soutien aux créateur·ice·s d’ici. 

## Préservation du patrimoine 
Les collections d’entreprise enrichissent également le patrimoine culturel, de par leur soutien des artistes locaux·les, mais aussi par la préservation des arts actuels. Elles garantissent la pérennité des œuvres en veillant à leur exposition et leur diffusion dans un cadre à la fois privé et public. En collectionnant des œuvres contemporaines, les entreprises aident à conserver et mettre en lumière l’héritage artistique au fil du temps. 

De plus, même si plusieurs entreprises garderont leurs œuvres d’art pour la postérité, d’autres – en raison d’un grand nombre acheté au fil du temps et faute d’espace – devront parfois se départir d’œuvres pour éviter que celles-ci ne s’entassent dans les réserves. Plusieurs décident alors de faire des dons aux institutions muséales et aux encans-bénéfices, contribuant ainsi à la conservation et la prospérité de l’histoire de l’art canadienne. 

## Représentation de l’identité et des valeurs 
Une collection représente l’ensemble des œuvres d’art achetées par une compagnie et se distingue par son unicité d’une entreprise à l’autre. Elle s’affirme, se consolide et prend de l’expansion au gré des acquisitions. Les œuvres qui composent la collection sont le reflet d’achats passionnés et engagés. Loin d’être rattachées à une seule fonction distincte, les collections d’œuvres d’art dans les organisations jouent plusieurs rôles: elles peuvent servir à la fois d’objets décoratifs, mais aussi de vecteur de l’identité et des valeurs de l’entreprise. 

Il existe autant de types de collections qu’il existe de modèles d’affaires. Des entreprises achèteront des œuvres d’art par passion et les garderont précieusement dans leurs bureaux. D’autres les montreront fièrement aux visiteur·euse·s et les exposeront dans les espaces communs. Certaines entreprises se serviront des œuvres comme outil promotionnel afin de nourrir leur image de marque. D’autres se donneront comme mandat de soutenir des artistes locaux·les et de collecter un patrimoine visuel représentatif de notre époque.

Bien des entreprises collectionneuses se dotent de comités d’acquisition et de mandats de collection précis dans le but d’orienter leurs achats. Certaines organisations établissent même une politique très pointue entourant un médium, une technique, un sujet ou encore une période artistique afin de s’assurer que les œuvres reflètent les valeurs intrinsèques de la compagnie.


 

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## Bienfaits sur les employé·e·s
Selon plusieurs études, les impacts positifs sont nombreux et peuvent se retrouver sous les formes suivantes :
- Facilite les interactions sociales ;
- Suscite des réponses émotionnelles ;
- Facilite les rapports entre les employé·e·s ;
- Améliore l’environnement de travail ;
- Promeut l’apprentissage sur les œuvres.

En effet, les œuvres d’art nouvellement installées dans l’environnement de travail sont susceptibles d’encourager des interactions sociales entre les employé·e·s. Peu importe la nature de ces discussions et interactions, elles créent un climat propice aux échanges ayant pour thème les œuvres d’art. La présence d’œuvres d’art dans un milieu professionnel peut également augmenter l’intérêt des employé·e·s envers celles-ci dans un contexte autre. Si un employé aime côtoyer une œuvre, ce dernier peut aller jusqu’à chercher davantage d’information sur l’artiste et sa démarche, ou encore à se déplacer en galerie
ou au musée pour admirer d’autres pièces faites par ce même artiste.

Ces bienfaits peuvent être amplifiés par une médiation et une promotion auprès des employé·e·s comme du grand public, telles que le prêt d'œuvres dans le cadre des expositions dans une institution muséale, la publication d’un catalogue des œuvres de la collection, des visites guidées ouvertes à tous·tes, ou autres. 

## Avantages fiscaux 
Les entreprises collectionneuses bénéficient d’avantages fiscaux considérables dans
l’amortissement de l’achat d’œuvres d’art au niveau du gouvernement du Québec.

Pour toute œuvre acquise dans le but de l’exposer dans son lieu d’affaires et dont l’artiste est citoyen·ne ou résident·e canadien·ne au moment de la création du bien, l’entreprise peut amortir annuellement 33,3 % du coût de l’acquisition sur une base résiduelle. Les médiums admissibles sont les suivants : estampes, gravures, dessins, tableaux ou toute autre œuvre de même nature dont le coût est supérieur à 200$.

Dans le cadre d’un don à une institution muséale, il y a également des allégements fiscaux notables qui s’offrent aux compagnies. Pour comprendre tous les avantages financiers réservés aux entreprises quant à l’achat d’œuvres d’art, et ceux qui s’appliquent à chaque situation singulière, s’il-vous-plaît renseignez-vous auprès d’un·e comptable. 


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Pour en apprendre plus, n’hésitez pas à poser des questions aux expert·e·s du milieu, notamment des galeristes, qui pourront vous guider vers des réponses plus spécifiques. 



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## En parcourant la foire, vous avez peut-être remarqué des indications d'acquisition à côté de certaines œuvres, mentionnant qu'elles ont été achetées par une institution muséale ou par une entreprise, faisant dorénavant partie de leurs collections respectives. 

## Mais vous êtes-vous déjà demandé : *pourquoi les entreprises choisissent-elles d'acheter des œuvres d’art ?* Bien que l’art ne fasse pas partie de leur mission première, une collection peut apporter de nombreux bienfaits directs à l’ensemble de l’entreprise. 


Pourquoi les entreprises collectionnent-elles des œuvres d’art? 

### Journal de réflexions sur l’imaginaire sans fin

### Le moulin tourne. Il est le témoin du mouvement perpétuel de la pensée et de la transformation de la matière. Avec son cycle répétitif, il crée un tourbillon d’air et de poussière, une spirale de farine, un flot infini de possibles. 

*Sarah, le 15 décembre 2024 :*  

Admettons que l’imaginaire humain n’a pas de fin connue, qu’il n’y a pas d’épuisement possible, mais plutôt une multiplication infinie d’idées qui crée des mondes imaginaires propres. Chaque créateur et créatrice peut, en ce sens, créer ses propres règles et bâtir ses lois à l’intérieur même d’un espace pensé. Les limites du temps et de l’espace n’existant pas dans le vortex imaginarium, les artistes peuvent envisager l’irrationnel et l’impossible. Sans contraintes physiques ou logiques. 

Disons de l’imaginaire qu’il est un espace pur, de liberté, ou l’inconcevable et le fantastique peuvent cohabiter sans aucun obstacle, au-delà des lois de ce qui a déjà été vu. Cet espace libre n’a pas à représenter le monde tel qu’il est perçu. Tout un chacun est libre de pousser l’impulsion à l’infini, et c’est d’ailleurs ce qu’ont fait nos amis et amies artistes surréalistes qui floutent les frontières entre le réel et le mythe. 

Il est alors permis de se demander si l’artiste crée un monde imaginaire structuré par des lois, des cycles, des séries, des modèles, et si ce monde dépasse la pensée humaine. De quelle manière cet imaginaire peut-il exister, et bien au-delà de la pensée qui l’a initié; à l’infini? D’autant plus dans une œuvre qui sera vouée à être montrée à un public d’individus différents, ayant la capacité de créer des imaginaires variés. Une résonance des œuvres qui étend ce monde imaginaire initial à un monde imaginaire partagé et repris par les individus consommant l’œuvre. 

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*Manon, le 20 décembre 2024 :*

On comprend que les artistes s’inspirent de leur environnement pour créer : ils sont mus par leurs craintes face au monde actuel, par la souffrance, par la beauté, par leurs origines. Ils empruntent des symboles, des codes ou des iconographies provenant d’époques diverses et de ce qu’ils vivent et voient au quotidien. Jumelées à leur imaginaire, leurs créations s’inscrivent alors dans un univers sans fin et métaphorique. Ce dernier devient un refuge qui leur est propre et dans lequel ils se sentent bien et libres de toute contrainte. 

Cet univers se compose à la foi de contrastes qui s’opposent et s’attirent dans une immensité de possibilités tangibles et intangibles, alliant la matérialité et l’immatérialité, et qui sous-tendent tout concept à la base de leur démarche artistique : 

### Le vu et le non-vu 
### Le plein et le vide 
### L’attraction et la répulsion 
### La fragilité et la dureté 
### Le rêve et la réalité 
### L’équilibre et le déséquilibre 

L’artiste crée en fonction de ce qu’il ou elle souhaite transmettre au public spectateur et/ou regardeur. Il ou elle construit son imaginaire à partir d’un ressenti provenant de son vécu personnel (devant l’évolution de l’humanité, face à l’histoire, la science, la maternité, la peur de l’autre, les avancées technologiques, la construction des rêves, etc.) qu’il ou elle partage avec autrui. Ce vécu place l’individu au cœur de cet imaginaire (artiste et public) et au cœur du processus de création. L’ensemble de ces ressentis, à la fois matériel et immatériel, visible et invisible, forme un tout, une succession d’images sans fin, ou il n’y pas d’espace-temps et où ce dernier devient infini. 

Découvrez l'exposition d'art émergent *Et si les moulins tournaient sans ne jamais s’arrêter*, fruit d’un commissariat collaboratif entre Loto-Québec et artch, au kiosque P05, situé au Pavillon de la foire Plural, du 11 au 13 avril prochain.

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Les artistes : 

**Kelly Davis** explore l’univers mystique de l’imaginable, où l’abondance et l’expansion infinies règnent. À travers ses peintures abstraites, elle crée des portails vers une réalité invisible, mais profondément ressentie, offrant un espace de résonance personnelle et collective. Son travail s’inscrit dans un dialogue continu, activé par l’engagement du spectateur et nourri par un échange intuitif qui dépasse le langage. 

**Gabor Bata** dessine et peint des personnages tirés de son imaginaire, qui tentent mais échouent systématiquement à communiquer et à se connecter. Il crée des scènes colorées et voluptueuses qui captent l’attention. Il est influencé par son amour du cinéma, de l’animation, de la bande dessinée et du design. 

**Alfred Muszynski** considère son travail comme une recherche, « un réseau d’idées avant tout ». Les codes et les iconographies du passé et du présent s’entrelacent dans ses œuvres. Il joue avec le réel et le mythe sous forme de casse-tête. Un réseau de références symboliques, où chaque toile trouve sa place dans le système que l’artiste a construit.

**Alex Pouliot** cherche à réhabiliter la magie de l’art en explorant les forces invisibles qui façonnent l’apparence des choses et le parcours identitaire de l’individu. Souvent en dialogue avec des lieux spécifiques, son travail interroge l’influence de la suprématie culturelle occidentale dans les médias de masse et son rôle dans la construction et la colonisation des imaginaires collectifs. 

**Judith Berry (Collection Loto-Québec)** : « Ce petit tableau est l’une de mes nombreuses tentatives de condenser le paysage dans une surface qui semble manipulable. Les chemins sinueux en spirale évoquent une forme imposante, semblable à une colline. Pourtant, la surface peinte demeure opaque, chaque geste s’y inscrivant directement. L’image suggère de vastes étendues, tout en prenant l’apparence d’un objet tangible ou d’une partie du corps. Cette œuvre s’inscrit dans une démarche de plusieurs décennies visant à fusionner les genres du paysage, de la nature morte et du portrait. Je me confronte à la notion de paysage, à notre rapport à l’environnement et à la manière dont ses transformations nous affectent. » 

**Mélanie Dumas** explore la matérialité en investissant l’espace, le plein et le vide, pour faire émerger de nouvelles géométries. Son travail interroge la notion de paysage à travers des formes inspirées des structures vivantes et synthétiques qui le composent. Entre fragilité et robustesse, immobilité et mouvement, elle choisit des matériaux bruts pour révéler leurs propriétés et leur temporalité. Intégrant des systèmes actifs, elle crée des sculptures qui reproduisent des phénomènes naturels à petite échelle, interrogeant ainsi notre relation à l’Anthropocène.

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Par Manon Pouliot, Responsable de la Collection Loto-Québec, et Sarah Kitzy Gineau Delyon, directrice de artch




Loto-Québec x artch : Et si les moulins tournaient sans ne jamais s’arrêter

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Tout a commencé avec un dessin à l'encre représentant quatre poulets, attribué à l'origine à Emily Carr, sur lequel Tam est tombée en 2017 lors de ses recherches dans les archives de la Colombie-Britannique sur l'artiste canadien d'origine chinoise Lee Chao Nam 李趙南. Lee était un ami de Carr, et Tam affirme qu'il est possible que Lee ait enseigné à Carr la technique traditionnelle chinoise du pinceau pour obtenir le style de cette esquisse. Si les poulets sont depuis longtemps considérés comme un sujet populaire dans la peinture à l'encre chinoise, les coqs sont aussi un motif omniprésent dans la porcelaine chinoise, du sud de la Chine et de Hong Kong à l'Asie du Sud-Est et leurs diasporas. Multipliés sous forme encrée, ils plaisent instantanément aux jeunes et aux moins jeunes, comme des bannières de festival célébrant l'humble mais magnifique oiseau.

 

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Représentée en partie à Plural 2025, Tam a fait une plus petite sélection de dessins d'oiseaux, y compris ceux provenant de l'itération de son exposition à la Richmond Art Gallery (2017), dans laquelle les visiteur·euse·s ont produit des centaines de dessins dans le cadre d'un événement communautaire. Comme dans les installations précédentes, une nuée de ces dessins vole dans les airs comme les amis à plumes qu'ils dépeignent, de grandes houppes de papiers qui s'élancent à travers le plafond. L'œuvre de Tam offre une perspective différente sur l'art de la diaspora chinoise, au sens propre comme au sens figuré, car la méthode d'exposition consiste davantage à montrer comment les dessins voltigent collectivement pour composer l'installation qu'à s'attarder sur les détails de chaque oiseau. La poésie de cette œuvre est telle qu'un dessin ne peut être accroché sans l'autre ; chacun doit être en compagnie et présenté comme un groupe.




 

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J'ai toujours considéré Tam comme une artiste qui travaille aussi comme détective de l'histoire de l'art, fouillant les annales de l'histoire de l'art canadien pour trouver qui et quoi n'a pas été vu, ramenant à la surface des histoires perdues et oubliées. Chaque projet se ressent comme une expédition de plongée dans l'histoire de l'art, les archives et les documents communautaires, que Tam matérialise ensuite en une exposition dans une exposition. Grâce à des installations méticuleusement mises en scène, elle présente au public une histoire de l'art spéculative, entrant dans une machine à remonter dans le temps pour imaginer ce qu'était la vie des nouveaux·elles arrivant·e·s chinois·e·s ou, dans le cas de Lee, à quoi sa vie aurait pu ressembler. Dans tout cela, la pratique de Tam, profondément enracinée et entrelacée dans la recherche comme art, englobe l'histoire de l'immigration chinoise au Canada et la lutte continue pour la visibilité et l'appartenance, tant à l'intérieur qu'à l'extérieur du monde de l'art. Ces histoires, qui ne cessent de se déployer à travers le territoire et le temps, n'en sont qu'à leurs débuts.


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Par Charlene K. Lau 劉雪铃

*La Banque Nationale est fière de présenter Like rain drops rolling down new paint, une installation de Karen Tam, dans l'Espace Banque Nationale au Terminal du Grand Quai du Port de Montréal.*

## Un dimanche matin ensoleillé de mars, je discute avec Karen Tam sur Google Meet. Lorsque j’ouvre le catalogue de l'exposition With wings like clouds hung from the sky 大鵬就振翼 (2017), il se déploie sur mes genoux, dévoilant une photo en vue de vol d'oiseau de l'installation exacte dont nous sommes sur le point de discuter. Pour cela, Tam a accroché des centaines de croquis d'oiseaux - dont 300 ont été dessinés par l'artiste, sa mère Yin Law 譚阮嫣娜, et le professeur de peinture de l'aînée Tam, Lui Luk Chun 呂陸川 - à travers le plafond de la Richmond Art Gallery. 



Karen Tam: à vol d'oiseau 

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