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Par la suite, dans la deuxième moitié de son existence, d’autres projets de l’AGAC ont suivi cette lancée. Notamment, dès 2007 sous la direction de Matthieu Gauvin, alors directeur de l’AGAC, la foire Papier s’est imposée comme un événement phare au fil de ses 15 éditions, avant de prendre le nom de Plural, qu’elle porte aujourd’hui. En effet, l’AGAC a continué à évoluer et à se développer à travers de nombreuses autres initiatives telles que le Gala des arts Visuels (2011-2014), le contrat type entre l’artiste et sa galerie avec le Regroupement des artistes en arts visuels (2012-présent), Feature: Contemporary Art Fair à Toronto (2014-2015), *Collectionner - le guide* (2016-2017), le Forum Marché de l’art (2019), la campagne *Retrouvez l’art d’ici* (2021), et plus récemment, Galeries Weekend (2021-présent) et la foire Plural (2023-présent). 

Rhéal Lanthier, propriétaire de la galerie montréalaise Art Mûr, membre de longue date, et président du CA de l’AGAC entre 2007 et 2013, croit que c’est à force de bâtir un public pour ces projets que l’Association a pu assurer le succès et la notoriété qu’elle connaît aujourd’hui: « Le dynamisme que l’Association a su injecter dans le marché, en créant des nouveaux·elles collectionneur·euse·s et un intérêt pour la collection avec plusieurs projets éducatifs, c’est ce qui fait que Plural va bien aujourd’hui. [...] Parce qu’un public a été développé pendant des années. » Il précise que l’union fait la force dans ce contexte aussi: « Le marché de l’art c’est en général des petites entreprises, [...] alors leur poids, leur capacité de promotion est limitée. [...] C’est seulement en se fédérant ou en travaillant en collaboration qu’on arrive à créer des projets qui arrivent à obtenir une couverture médiatique, une présence sur la scène locale. »


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D’autre part, au fil des années, l’AGAC a travaillé fort dans l’ombre en fédérant ses membres selon un code de déontologie rigoureux qui vise à assurer l’éthique et la qualité de chaque galerie. De plus, l’Association remplit son mandat en faisant du lobbying pour représenter ses membres auprès des instances gouvernementales et des institutions connexes, afin de défendre leurs intérêts, obtenir des financements, mieux soutenir les métiers de galeriste et d’artiste, de même que favoriser la reconnaissance et la vitalité du marché de l’art contemporain. Julie Lacroix rappelle que « c’est important d’avoir un porte-parole, un défenseur des intérêts de tous les secteurs, parce qu’on en a besoin pour faire connaître notre mission et notre vision. »



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Regroupant aujourd’hui 34 galeries à travers le Canada, notamment à Montréal, Québec, Ottawa, Toronto, Halifax et Vancouver, l’AGAC demeure un organisme à but non lucratif qui a pour but de défendre les intérêts moraux et économiques de ses membres, assurer la reconnaissance et la prospérité du marché de l’art contemporain au Canada ainsi que sensibiliser le public à l’art contemporain. En regardant vers l’arrière, Lorraine Palardy remarque que « la vision de l’AGAC semble porter fruit, et elle n’est pas trop éloignée du mandat initial: rejoindre les gens, le plus grand public possible, supporter les galeries, supporter les artistes ». 


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## Pour en savoir plus sur son histoire, visionnez sur notre chaîne Youtube la table ronde *40 ans de l’AGAC: réflexions et perspectives* ou abonnez-vous aux réseaux sociaux et à l’infolettre AGAC pour d’autres clins d'œil au passé! 

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## L’Association des galeries d’art contemporain (AGAC) célèbre en 2025 son 40e anniversaire, marquant quatre décennies d’engagement dans la défense et la promotion de l'art contemporain.

Au centre de la mission de l’AGAC est la représentation de ses membres - toutes des galeries d’art contemporain commerciales canadiennes - ce qui va de pair avec ses mandats de défense de la prospérité du marché de l’art contemporain, de sensibilisation du public autour du milieu des arts actuels ainsi que de contribution au rayonnement de l’art contemporain tant au Canada qu’à l’international. 

À l’origine l’Association des galeries d’art contemporain de Montréal (AGACM), elle a été fondée en 1985 par une vingtaine de directeur·ice·s de galeries montréalaises dans le but de chercher des solutions à leurs difficultés communes ainsi que de constituer une force qui puisse exprimer ses besoins et agir dans la cohésion. Lorraine Palardy, fondatrice des Impatients, galeriste, Chevalière de l’Ordre national du Québec, et ancienne présidente du Conseil d’administration de l’AGAC souligne l’importance de la solidarité dans le milieu: « On a essayé d’ouvrir cette association avec d’autres avenues, en se solidifiant avec d'autres partenaires. Il y avait plein de gens autour qui voulaient que l’AGAC réussisse. On sentait la volonté des artistes et des galeries. »

C’est ainsi que l’AGAC s’est rapidement imposée comme acteur important du milieu des arts visuels, de même que du marché de l’art canadien, avec des initiatives majeures comme la première expo-foire dédiée à l’art contemporain au Canada, L’Entrée libre à l’art contemporain (1987-1993), le *Magazine ETC* (1987-1992),  la Foire d’art contemporain (1994), le Prix Louis-Comtois (1991-présent), le Prix Pierre-Ayot (1996-présent), *Peinture Peinture* (1998), *Intersections Montréal-Toronto* (2000), Le Salon du Printemps (2002-2004) et beaucoup plus encore. Isabelle Lelarge, qui a dirigé l'Association entre 1988 et 1990, soutient que c’est à travers ces projets que l’AGAC a pu déployer ses ailes: « La qualité de ces événements a permis, chaque fois, de faire émerger une scène artistique très vivante, riche et très créative. » En effet, Julie Lacroix, qui a assuré la direction pendant plus d’une dizaine d’années, remarque c’est de cette manière que s’est déclinée la mission de l’AGAC: « On a choisi d’étendre le rôle de porte-parole du secteur pour non seulement couvrir leurs intérêts commerciaux, mais aussi élargir les publics par rapport à son offre, qui est l’art, donc éduquer, démocratiser, faire de la promotion. »


40e anniversaire de l’AGAC: Une rétrospective

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Voici quelques raisons qui pourraient motiver les gestionnaires et les compagnies à collectionner: 

## Soutien aux artistes 
L’achat des œuvres d’art par les entreprises québécoises représente un pourcentage important des transactions d’acquisition annuelles, certaines années s’élevant presque à celui des institutions muséales. De cette manière, les entreprises contribuent à diversifier le financement des arts en multipliant les sources, garantissant ainsi une plus grande indépendance aux artistes. 

En effet, grâce à la création d’une politique d’acquisition et l’élaboration de grandes lignes directrices, les entreprises collectionneuses affirment leur soutien au marché de l’art et se dotent d’outils pour favoriser cette relation avec les artistes. En fixant un nombre moyen d’acquisitions par année ou un montant alloué aux achats d’œuvres d’art annuellement, elles se portent garantes de la vitalité du domaine artistique et démontrent leur soutien aux créateur·ice·s d’ici. 

## Préservation du patrimoine 
Les collections d’entreprise enrichissent également le patrimoine culturel, de par leur soutien des artistes locaux·les, mais aussi par la préservation des arts actuels. Elles garantissent la pérennité des œuvres en veillant à leur exposition et leur diffusion dans un cadre à la fois privé et public. En collectionnant des œuvres contemporaines, les entreprises aident à conserver et mettre en lumière l’héritage artistique au fil du temps. 

De plus, même si plusieurs entreprises garderont leurs œuvres d’art pour la postérité, d’autres – en raison d’un grand nombre acheté au fil du temps et faute d’espace – devront parfois se départir d’œuvres pour éviter que celles-ci ne s’entassent dans les réserves. Plusieurs décident alors de faire des dons aux institutions muséales et aux encans-bénéfices, contribuant ainsi à la conservation et la prospérité de l’histoire de l’art canadienne. 

## Représentation de l’identité et des valeurs 
Une collection représente l’ensemble des œuvres d’art achetées par une compagnie et se distingue par son unicité d’une entreprise à l’autre. Elle s’affirme, se consolide et prend de l’expansion au gré des acquisitions. Les œuvres qui composent la collection sont le reflet d’achats passionnés et engagés. Loin d’être rattachées à une seule fonction distincte, les collections d’œuvres d’art dans les organisations jouent plusieurs rôles: elles peuvent servir à la fois d’objets décoratifs, mais aussi de vecteur de l’identité et des valeurs de l’entreprise. 

Il existe autant de types de collections qu’il existe de modèles d’affaires. Des entreprises achèteront des œuvres d’art par passion et les garderont précieusement dans leurs bureaux. D’autres les montreront fièrement aux visiteur·euse·s et les exposeront dans les espaces communs. Certaines entreprises se serviront des œuvres comme outil promotionnel afin de nourrir leur image de marque. D’autres se donneront comme mandat de soutenir des artistes locaux·les et de collecter un patrimoine visuel représentatif de notre époque.

Bien des entreprises collectionneuses se dotent de comités d’acquisition et de mandats de collection précis dans le but d’orienter leurs achats. Certaines organisations établissent même une politique très pointue entourant un médium, une technique, un sujet ou encore une période artistique afin de s’assurer que les œuvres reflètent les valeurs intrinsèques de la compagnie.


 

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## Bienfaits sur les employé·e·s
Selon plusieurs études, les impacts positifs sont nombreux et peuvent se retrouver sous les formes suivantes :
- Facilite les interactions sociales ;
- Suscite des réponses émotionnelles ;
- Facilite les rapports entre les employé·e·s ;
- Améliore l’environnement de travail ;
- Promeut l’apprentissage sur les œuvres.

En effet, les œuvres d’art nouvellement installées dans l’environnement de travail sont susceptibles d’encourager des interactions sociales entre les employé·e·s. Peu importe la nature de ces discussions et interactions, elles créent un climat propice aux échanges ayant pour thème les œuvres d’art. La présence d’œuvres d’art dans un milieu professionnel peut également augmenter l’intérêt des employé·e·s envers celles-ci dans un contexte autre. Si un employé aime côtoyer une œuvre, ce dernier peut aller jusqu’à chercher davantage d’information sur l’artiste et sa démarche, ou encore à se déplacer en galerie
ou au musée pour admirer d’autres pièces faites par ce même artiste.

Ces bienfaits peuvent être amplifiés par une médiation et une promotion auprès des employé·e·s comme du grand public, telles que le prêt d'œuvres dans le cadre des expositions dans une institution muséale, la publication d’un catalogue des œuvres de la collection, des visites guidées ouvertes à tous·tes, ou autres. 

## Avantages fiscaux 
Les entreprises collectionneuses bénéficient d’avantages fiscaux considérables dans
l’amortissement de l’achat d’œuvres d’art au niveau du gouvernement du Québec.

Pour toute œuvre acquise dans le but de l’exposer dans son lieu d’affaires et dont l’artiste est citoyen·ne ou résident·e canadien·ne au moment de la création du bien, l’entreprise peut amortir annuellement 33,3 % du coût de l’acquisition sur une base résiduelle. Les médiums admissibles sont les suivants : estampes, gravures, dessins, tableaux ou toute autre œuvre de même nature dont le coût est supérieur à 200$.

Dans le cadre d’un don à une institution muséale, il y a également des allégements fiscaux notables qui s’offrent aux compagnies. Pour comprendre tous les avantages financiers réservés aux entreprises quant à l’achat d’œuvres d’art, et ceux qui s’appliquent à chaque situation singulière, s’il-vous-plaît renseignez-vous auprès d’un·e comptable. 


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Pour en apprendre plus, n’hésitez pas à poser des questions aux expert·e·s du milieu, notamment des galeristes, qui pourront vous guider vers des réponses plus spécifiques. 



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## En parcourant la foire, vous avez peut-être remarqué des indications d'acquisition à côté de certaines œuvres, mentionnant qu'elles ont été achetées par une institution muséale ou par une entreprise, faisant dorénavant partie de leurs collections respectives. 

## Mais vous êtes-vous déjà demandé : *pourquoi les entreprises choisissent-elles d'acheter des œuvres d’art ?* Bien que l’art ne fasse pas partie de leur mission première, une collection peut apporter de nombreux bienfaits directs à l’ensemble de l’entreprise. 


Pourquoi les entreprises collectionnent-elles des œuvres d’art? 

### Journal de réflexions sur l’imaginaire sans fin

### Le moulin tourne. Il est le témoin du mouvement perpétuel de la pensée et de la transformation de la matière. Avec son cycle répétitif, il crée un tourbillon d’air et de poussière, une spirale de farine, un flot infini de possibles. 

*Sarah, le 15 décembre 2024 :*  

Admettons que l’imaginaire humain n’a pas de fin connue, qu’il n’y a pas d’épuisement possible, mais plutôt une multiplication infinie d’idées qui crée des mondes imaginaires propres. Chaque créateur et créatrice peut, en ce sens, créer ses propres règles et bâtir ses lois à l’intérieur même d’un espace pensé. Les limites du temps et de l’espace n’existant pas dans le vortex imaginarium, les artistes peuvent envisager l’irrationnel et l’impossible. Sans contraintes physiques ou logiques. 

Disons de l’imaginaire qu’il est un espace pur, de liberté, ou l’inconcevable et le fantastique peuvent cohabiter sans aucun obstacle, au-delà des lois de ce qui a déjà été vu. Cet espace libre n’a pas à représenter le monde tel qu’il est perçu. Tout un chacun est libre de pousser l’impulsion à l’infini, et c’est d’ailleurs ce qu’ont fait nos amis et amies artistes surréalistes qui floutent les frontières entre le réel et le mythe. 

Il est alors permis de se demander si l’artiste crée un monde imaginaire structuré par des lois, des cycles, des séries, des modèles, et si ce monde dépasse la pensée humaine. De quelle manière cet imaginaire peut-il exister, et bien au-delà de la pensée qui l’a initié; à l’infini? D’autant plus dans une œuvre qui sera vouée à être montrée à un public d’individus différents, ayant la capacité de créer des imaginaires variés. Une résonance des œuvres qui étend ce monde imaginaire initial à un monde imaginaire partagé et repris par les individus consommant l’œuvre. 

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*Manon, le 20 décembre 2024 :*

On comprend que les artistes s’inspirent de leur environnement pour créer : ils sont mus par leurs craintes face au monde actuel, par la souffrance, par la beauté, par leurs origines. Ils empruntent des symboles, des codes ou des iconographies provenant d’époques diverses et de ce qu’ils vivent et voient au quotidien. Jumelées à leur imaginaire, leurs créations s’inscrivent alors dans un univers sans fin et métaphorique. Ce dernier devient un refuge qui leur est propre et dans lequel ils se sentent bien et libres de toute contrainte. 

Cet univers se compose à la foi de contrastes qui s’opposent et s’attirent dans une immensité de possibilités tangibles et intangibles, alliant la matérialité et l’immatérialité, et qui sous-tendent tout concept à la base de leur démarche artistique : 

### Le vu et le non-vu 
### Le plein et le vide 
### L’attraction et la répulsion 
### La fragilité et la dureté 
### Le rêve et la réalité 
### L’équilibre et le déséquilibre 

L’artiste crée en fonction de ce qu’il ou elle souhaite transmettre au public spectateur et/ou regardeur. Il ou elle construit son imaginaire à partir d’un ressenti provenant de son vécu personnel (devant l’évolution de l’humanité, face à l’histoire, la science, la maternité, la peur de l’autre, les avancées technologiques, la construction des rêves, etc.) qu’il ou elle partage avec autrui. Ce vécu place l’individu au cœur de cet imaginaire (artiste et public) et au cœur du processus de création. L’ensemble de ces ressentis, à la fois matériel et immatériel, visible et invisible, forme un tout, une succession d’images sans fin, ou il n’y pas d’espace-temps et où ce dernier devient infini. 

Découvrez l'exposition d'art émergent *Et si les moulins tournaient sans ne jamais s’arrêter*, fruit d’un commissariat collaboratif entre Loto-Québec et artch, au kiosque P05, situé au Pavillon de la foire Plural, du 11 au 13 avril prochain.

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Les artistes : 

**Kelly Davis** explore l’univers mystique de l’imaginable, où l’abondance et l’expansion infinies règnent. À travers ses peintures abstraites, elle crée des portails vers une réalité invisible, mais profondément ressentie, offrant un espace de résonance personnelle et collective. Son travail s’inscrit dans un dialogue continu, activé par l’engagement du spectateur et nourri par un échange intuitif qui dépasse le langage. 

**Gabor Bata** dessine et peint des personnages tirés de son imaginaire, qui tentent mais échouent systématiquement à communiquer et à se connecter. Il crée des scènes colorées et voluptueuses qui captent l’attention. Il est influencé par son amour du cinéma, de l’animation, de la bande dessinée et du design. 

**Alfred Muszynski** considère son travail comme une recherche, « un réseau d’idées avant tout ». Les codes et les iconographies du passé et du présent s’entrelacent dans ses œuvres. Il joue avec le réel et le mythe sous forme de casse-tête. Un réseau de références symboliques, où chaque toile trouve sa place dans le système que l’artiste a construit.

**Alex Pouliot** cherche à réhabiliter la magie de l’art en explorant les forces invisibles qui façonnent l’apparence des choses et le parcours identitaire de l’individu. Souvent en dialogue avec des lieux spécifiques, son travail interroge l’influence de la suprématie culturelle occidentale dans les médias de masse et son rôle dans la construction et la colonisation des imaginaires collectifs. 

**Judith Berry (Collection Loto-Québec)** : « Ce petit tableau est l’une de mes nombreuses tentatives de condenser le paysage dans une surface qui semble manipulable. Les chemins sinueux en spirale évoquent une forme imposante, semblable à une colline. Pourtant, la surface peinte demeure opaque, chaque geste s’y inscrivant directement. L’image suggère de vastes étendues, tout en prenant l’apparence d’un objet tangible ou d’une partie du corps. Cette œuvre s’inscrit dans une démarche de plusieurs décennies visant à fusionner les genres du paysage, de la nature morte et du portrait. Je me confronte à la notion de paysage, à notre rapport à l’environnement et à la manière dont ses transformations nous affectent. » 

**Mélanie Dumas** explore la matérialité en investissant l’espace, le plein et le vide, pour faire émerger de nouvelles géométries. Son travail interroge la notion de paysage à travers des formes inspirées des structures vivantes et synthétiques qui le composent. Entre fragilité et robustesse, immobilité et mouvement, elle choisit des matériaux bruts pour révéler leurs propriétés et leur temporalité. Intégrant des systèmes actifs, elle crée des sculptures qui reproduisent des phénomènes naturels à petite échelle, interrogeant ainsi notre relation à l’Anthropocène.

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Par Manon Pouliot, Responsable de la Collection Loto-Québec, et Sarah Kitzy Gineau Delyon, directrice de artch




Loto-Québec x artch : Et si les moulins tournaient sans ne jamais s’arrêter

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Tout a commencé avec un dessin à l'encre représentant quatre poulets, attribué à l'origine à Emily Carr, sur lequel Tam est tombée en 2017 lors de ses recherches dans les archives de la Colombie-Britannique sur l'artiste canadien d'origine chinoise Lee Chao Nam 李趙南. Lee était un ami de Carr, et Tam affirme qu'il est possible que Lee ait enseigné à Carr la technique traditionnelle chinoise du pinceau pour obtenir le style de cette esquisse. Si les poulets sont depuis longtemps considérés comme un sujet populaire dans la peinture à l'encre chinoise, les coqs sont aussi un motif omniprésent dans la porcelaine chinoise, du sud de la Chine et de Hong Kong à l'Asie du Sud-Est et leurs diasporas. Multipliés sous forme encrée, ils plaisent instantanément aux jeunes et aux moins jeunes, comme des bannières de festival célébrant l'humble mais magnifique oiseau.

 

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Représentée en partie à Plural 2025, Tam a fait une plus petite sélection de dessins d'oiseaux, y compris ceux provenant de l'itération de son exposition à la Richmond Art Gallery (2017), dans laquelle les visiteur·euse·s ont produit des centaines de dessins dans le cadre d'un événement communautaire. Comme dans les installations précédentes, une nuée de ces dessins vole dans les airs comme les amis à plumes qu'ils dépeignent, de grandes houppes de papiers qui s'élancent à travers le plafond. L'œuvre de Tam offre une perspective différente sur l'art de la diaspora chinoise, au sens propre comme au sens figuré, car la méthode d'exposition consiste davantage à montrer comment les dessins voltigent collectivement pour composer l'installation qu'à s'attarder sur les détails de chaque oiseau. La poésie de cette œuvre est telle qu'un dessin ne peut être accroché sans l'autre ; chacun doit être en compagnie et présenté comme un groupe.




 

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J'ai toujours considéré Tam comme une artiste qui travaille aussi comme détective de l'histoire de l'art, fouillant les annales de l'histoire de l'art canadien pour trouver qui et quoi n'a pas été vu, ramenant à la surface des histoires perdues et oubliées. Chaque projet se ressent comme une expédition de plongée dans l'histoire de l'art, les archives et les documents communautaires, que Tam matérialise ensuite en une exposition dans une exposition. Grâce à des installations méticuleusement mises en scène, elle présente au public une histoire de l'art spéculative, entrant dans une machine à remonter dans le temps pour imaginer ce qu'était la vie des nouveaux·elles arrivant·e·s chinois·e·s ou, dans le cas de Lee, à quoi sa vie aurait pu ressembler. Dans tout cela, la pratique de Tam, profondément enracinée et entrelacée dans la recherche comme art, englobe l'histoire de l'immigration chinoise au Canada et la lutte continue pour la visibilité et l'appartenance, tant à l'intérieur qu'à l'extérieur du monde de l'art. Ces histoires, qui ne cessent de se déployer à travers le territoire et le temps, n'en sont qu'à leurs débuts.


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Par Charlene K. Lau 劉雪铃

*La Banque Nationale est fière de présenter Like rain drops rolling down new paint, une installation de Karen Tam, dans l'Espace Banque Nationale au Terminal du Grand Quai du Port de Montréal.*

## Un dimanche matin ensoleillé de mars, je discute avec Karen Tam sur Google Meet. Lorsque j’ouvre le catalogue de l'exposition With wings like clouds hung from the sky 大鵬就振翼 (2017), il se déploie sur mes genoux, dévoilant une photo en vue de vol d'oiseau de l'installation exacte dont nous sommes sur le point de discuter. Pour cela, Tam a accroché des centaines de croquis d'oiseaux - dont 300 ont été dessinés par l'artiste, sa mère Yin Law 譚阮嫣娜, et le professeur de peinture de l'aînée Tam, Lui Luk Chun 呂陸川 - à travers le plafond de la Richmond Art Gallery. 



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Karen Tam: à vol d'oiseau 

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###### 1. Marvin Luvualu António - COOPER COLE 
## *Condos*, 2024

Dans *Condos*, ces imposantes boîtes en acrylique servent de vaisseaux complexes, encapsulant un mélange dynamique d'objets collectés, d'effets personnels et d'artefacts urbains. Chaque pièce agit comme une archive visuelle, préservant des fragments du paysage changeant de la ville et des expériences intimes de ceux et celles qui l'habitent. En assemblant ces divers matériaux dans des structures transparentes, António explore les thèmes de la mémoire, de l'identité et de la nature en mouvance de la vie urbaine. Les sculptures fonctionnent comme des reliques contemporaines, offrant une réflexion convaincante sur la transformation rapide des grands centres métropolitains. Avec *Condos*, l’artiste invite à réfléchir à la manière dont les histoires personnelles et les récits collectifs s'entremêlent dans les structures que nous construisons et les espaces que nous appelons « maisons ».

*Condos est au 1er étage à côté du bar, en face de Paul Petro Contemporary Art, kiosque 110.*

 

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###### 2. Sarah Wendt + Pascal Dufaux - The Blue Building Gallery 
## *Horloge de miel*, 2024
   

*Horloge de miel* est un appareil qui explore le temps décéléré et incarné en utilisant l'écoulement visqueux du miel comme unité de mesure; ici, contrairement au sablier classique, l'écoulement de sable est remplacé par un écoulement de miel. Le décompte du temps passe alors d'un principe numérique (grain, vide, grain, vide... 1, 0, 1, 0...) à un principe analogique (un continuum fluide sans espace vide), ce qui est plus fidèle d'un point de vue psychologique à la sensation que le passage du temps imprime à la conscience. Cette installation propose une expérience immersive entièrement basée sur l'intégration de la conscience dans l'instant.

*Retrouvez cette œuvre au 2e étage devant le lounge Mobilia, à côté du restaurant.*


 

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###### 3. Jim Holyoak - McBride Contemporain 
## *Reappearing Mountain*, 2025

 
Jim Holyoak sera présent afin de créer une œuvre in situ qui évoluera au fil des jours. Peignant sur un mur de la foire, il présentera une création éphémère, une œuvre qui, de par sa nature, peut seulement être saisie dans l’instant présent. 

Holyoak explore le dessin à l'encre et au graphite sous toutes ses formes, allant de la carte postale, au livre, à l'installation monumentale. Ses œuvres invitent à explorer un monde oscillant entre le biologique et le fantastique, encourageant une réflexion sur notre relation aux mondes non humains. Prônant une position d’empathie, Holyoak représente des créatures étranges et leurs habitats, l'inconnu et l'invisible, des êtres trop minuscules pour être vus ou si anciens qu'ils sont devenus pierre.

*L’œuvre de Holyoak peut être vue au 1er étage, sur le mur du kiosque de McBride Contemporain, kiosque 127.*

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###### 4. Aaron McIntosh - Pierre-François Ouellette art contemporain 
## *Entanglements: Flowers at the Border / Keeping Safe*, 2022
 

Issue d’une lignée de courtepointiers depuis quatre générations dans les Appalaches du Tennessee, la pratique de McIntosh est profondément ancrée dans les fibres textiles. Il utilise cet héritage comme un langage, une forme et un outil, car il lui offre à la fois une trace tactile de parenté et une plateforme politique. Dans *Entanglements*, l'artiste reprend le potentiel métaphorique de la vie végétale, où il trouve des racines spéculatives pour échafauder et explorer des écologies queers. McIntosh rejette les paradigmes colonialistes et hétéronormatifs qui dominent la botanique dans leur perpétuelle « altérisation » de l'homosexualité. Il s'interroge plutôt sur la manière dont nous pourrions imaginer l'homosexualité à travers les dynamiques sexuelles et sexospécifiques présentes dans le monde végétal.

*Cette œuvre est au 2e étage en face des escaliers et du kiosque de Loto-Québec P05.*


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###### 5. Elisabeth Perrault - Pangée 
## *Ma peau de 28 ans*, 2024 et *Bouquet de fleurs*, 2024
 

Depuis 2019, Elisabeth Perrault, qui crée des œuvres et des installations immersives et fantastiques, archive son corps à travers les années avec sa série *Ma peau*, débutée à 23 ans. Ses premières « peaux » étaient réalisées en tissu, cousues autour de son corps pour en épouser la forme, avant d’être retirées comme la mue d’un serpent. Avec *Ma peau de 28 ans*, elle adopte une nouvelle approche : elle applique l’argile directement sur sa peau pour en extraire une empreinte rigide et fragmentée. Recouverts de soie puis assemblés par la broderie, ces fragments traduisent les réflexions de l’artiste sur le corps en tant que trace, transformation perpétuelle et tension entre matérialité et disparition.


*L’installation de Perrault est au 1er étage, à côté du bar, en face de la galerie Pangée, kiosque 108.*




Pour en savoir plus sur les installations de Plural, rejoignez Fiona Nguyen pour [une visite guidée](https://www.plural.art/programmation) en anglais, *Floating Narratives: A Walk Through the Key Installations*, le vendredi 11 avril à 15h ou en français, *Récits flottants: un parcours des installations phares*, le samedi 12 avril à 15h!



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## Cette année, laissez vous porter par les installations de la foire. Ces installations grand format sont les œuvres qui ne rentrent pas dans les kiosques, de par leur nature hybride ou leur taille atypique, ponctuant l’espace et se déployant librement hors les murs. Ces projets spéciaux interrogent et redéfinissent l'interaction entre l'art et l'espace, offrant au public une immersion au-delà des formats habituels.

Sortez du cadre conventionnel and allez à la rencontre de ces installations, qui sont réparties sur les deux étages du Grand Quai: 



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Hors les murs: Explorez les installations de Plural 2025

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Depuis plus de 10 ans, la Banque Nationale a activement soutenu la foire Plural par de nombreuses initiatives, visant à renforcer les liens entre l'art contemporain et le public. À travers le temps, la Banque a présenté le travail de plus 50 artistes de leur collection à la foire, soulignant ainsi son engagement à promouvoir les artistes d’ici et à rendre l'art accessible à tous·tes. 

Après avoir mis de l’avant les nouvelles œuvres sculpturales grand format du siège social lors de la dernière édition, la Collection Banque Nationale retrouve son espace à la foire cette année. En exposant une sélection d’œuvres spécialement conçue pour l'occasion, la Banque offre ainsi aux visiteur·euse·s une occasion inédite d'explorer le travail d'artistes canadien·ne·s établi·e·s ayant marqué le monde de l’art contemporain, tels que Tau Lewis, Marc-Aurèle Fortin et Suzy Lake. 

Retrouvez l’Espace Banque Nationale au rez-de-chaussée de la foire pour avoir un aperçu privilégié de leur prestigieuse collection d’entreprise ! 
 

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## Depuis 1971, la Banque Nationale cherche à réunir les œuvres d’artistes professionnel·le·s les plus influent·e·s afin d’être un témoin actif de l’expression artistique nationale. Comptant près de 7000 œuvres de divers types, leur collection a pour principale caractéristique d’être représentative de l’histoire de l’art canadien de 1895 à aujourd’hui.

D’année en année, en faisant l’acquisition d’œuvres, en les exposant et en les prêtant à des institutions muséales, la Banque soutient directement les artistes et les créateur·ice·s de partout au pays, en plus de nourrir un sentiment de fierté à l’égard du patrimoine collectif. En outre, la Banque fait connaître les artistes canadien·ne·s et québécois·e·s en enrichissant le milieu de vie de milliers d’employé·e·s et de client·e·s.

     

L'art canadien à l'honneur : découvrez la Collection Banque Nationale à Plural

  
Le Grand Quai de Montréal est un lieu fondateur de l'histoire de Montréal dans lequel s'entrelacent différentes strates historiques. Il fut le théâtre des premiers contacts entre les peuples autochtones et les Européen·ne·s et la principale porte d'entrée des marchandises, des matériaux et des immigrant·e·s qui ont contribué à façonner la ville par la suite. Pourtant, bien avant la colonisation, le fleuve Saint-Laurent était déjà une artère vitale de circulation, bordée d'espaces d'échange, de négociation et de coexistence, dont l'importance est fermement ancrée dans la présence autochtone. Aujourd'hui, le Grand Quai incarne cette richesse patrimoniale, témoignant de la superposition des héritages maritimes, industriels et autochtones. Réhabilité en un lieu culturel et touristique, il demeure un symbole illustrant combien le développement de la ville est intimement lié aux flux humains, au partage des savoirs et aux profondes transformations économiques ayant traversé les siècles.

C'est dans ce cadre historique stratifié que l'exposition se déploie, explorant la relation inextricable entre la mémoire et l'art contemporain. Considérant les œuvres d'art comme de véritables dispositifs mnémotechniques, celles-ci deviennent vecteurs de mémoires tant personnels que culturels. Telles des manifestations tangibles de la pensée et de l'expérience, les œuvres rassemblées dans le cadre de ce projet puisent dans les récits personnels, l'histoire collective et les traumas partagés. L'exposition met en évidence la fluidité de la mémoire, sa fragmentation et comment elle est souvent imbriquée dans les paysages culturels et politiques. Le souvenir est un acte de réinvention, une perpétuelle recontextualisation de notre expérience. Certain·e·s artistes retrouvent des voix oubliées, revisitant des moments historiques par des actes de commémoration spéculative, tandis que d'autres s'engagent dans des gestes intimes de soin et de transmission - incarnés dans la préparation de la nourriture, le tressage des cheveux ou les rituels de deuil. L'utilisation du métal, du bois et des textiles dans de nombreuses œuvres est loin d'être fortuite ; ils renvoient à l'environnement bâti de nos espaces familiers, ces lieux où s'ancrent nos souvenirs les plus précieux.



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Ainsi, *Le témoignage des matérialités sensibles* se déploie comme un tissage de récits et de matériaux dans lequel les œuvres marquent des traces, des empreintes sensibles d’une mémoire en perpétuelle mutation. En réunissant des fragments d’histoires personnelles et collectives, l’exposition révèle la manière dont le souvenir s’inscrit dans la matière, dans le geste et dans le regard, entre ce qui a été et ce qu’il reste à réinventer.

L’exposition présente des oeuvres des artistes suivant·e·s: 
- Nadia Belerique (Daniel Faria Gallery) 
- Myriam Dion (Blouin Division) 
- Berirouche Feddal (McBride Contemporain) 
- Joyce Joumaa (Eli Kerr) 
- Lotus L. Kang (Franz Kaka) 
- Gabrielle L’Hirondelle Hill (COOPER COLE)
- Kyle Alden Martens (Patel Brown) 
- Jeneen Frei Njootli (Macaulay + Co.) 
- Sheilah ReStack (The Blue Building Gallery) 
- Michaëlle Sergile (Galerie Hugues Charbonneau) 
- Ingrid Syage Tremblay

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Par Anaïs Castro

*Anaïs Castro est commissaire et autrice basée à New York et Montréal. Au cours des quinze dernières années, elle a occupé des postes au sein de diverses institutions, dont Arsenal art contemporain, Art Mûr, la Collection Peggy Guggenheim et Stills – Scotland’s Centre for Photography. Elle a également collaboré avec Gaëtane Verna en tant qu’assistante commissaire sur le projet de Kapwani Kiwanga pour le Pavillon du Canada à la 60ᵉ Biennale de Venise.*

## La foire Plural est heureuse de présenter *Le témoignage des matérialités sensibles*, une exposition spéciale commissariée par Anaïs Castro. Vous pouvez la voir en personne au Pavillon, au deuxième étage du Grand Quai du Port de Montréal du 11 au 13 avril 2025.



Tisser le temps dans l’exposition “Le témoignage des matérialités sensibles” 

## L'art *peut* coûter cher ! Mais contrairement à la croyance populaire, les œuvres d'art ne sont pas toujours évaluées au prix d'une maison de vente aux enchères ou accessibles uniquement aux collectionneurs haut de gamme. Pour vous aider à faire votre première acquisition ou à constituer votre collection en respectant votre budget, nous avons rassemblé les conseils et astuces suivants pour acheter des œuvres d'art à des prix abordables.

## 1. Écoutez votre cœur

- Quel que soit votre budget, achetez des œuvres que vous aimez ! Quelles sont les œuvres qui séduisent vos sens, qui vous touchent émotionnellement, intellectuellement ? L'œuvre comble-t-elle un désir en vous ? Ne vous quitte-t-elle pas l’esprit lorsque vous parcourez la foire ? Vous fait-elle sourire ou rire ? Exprime-t-elle un sentiment ou une idée que vous n'arrivez pas à formuler ? Recherchez des œuvres qui non seulement vous attirent, mais qui suscitent des questions, une tension ou de l'intrigue, avec lesquelles vous sentez que vous pourriez vivre longtemps et trouver des nouvelles façons d’interagir au fil du temps.

## 2. Les œuvres d'artistes émergent·e·s sont souvent plus abordables

- Parce qu'ils et elles sont au début de leur carrière, les œuvres d'artistes jeunes ou émergent·e·s (ce qui n'est pas nécessairement la même chose !) ont tendance à être vendues à des prix plus modestes. Cherchez des artistes qui viennent tout juste d’obtenir leur maîtrise en beaux-arts dans vos universités locales, ou demandez aux galeristes qui a récemment été ajouté à leur liste d'artistes représentés. Instagram est également un excellent moyen de trouver des artistes émergent·e·s grâce à des comptes comme [@artforecast](https://www.instagram.com/artforecast/) ou [@vancouverartblog](https://www.instagram.com/vancouverartblog/).
- Lors de foires d’art, comme Plural, les prix sont souvent indiqués sur l'étiquette à côté de l'œuvre. Si ce n'est pas le cas, n'hésitez pas à demander au galeriste une liste de prix ou à lui demander quelles sont les œuvres disponibles dans votre fourchette de budget.
- Investir dans le travail d'artistes émergent·e·s, c'est aussi faire confiance à la pratique d'un·e jeune artiste, vous permettant de développer un lien privilégié et, potentiellement, de voir sa carrière se développer au fil du temps ! Les galeristes sont souvent heureux·se·s de vous présenter à l'artiste afin que vous puissiez apprendre à le·la connaître plus personnellement.

Voici quelques œuvres d'artistes émergents disponibles à Plural 2024 pour moins de 2000 $ :

Michelle Paterok, "Sidewalk Ginkgos, November 13", 45.7 × 35.6 cm, Huile sur toile, panneau / Oil on canvas, panel,  2023, 1200 $, Duran|Mashaal

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José Andrés Mora, "Dissolve", 101.6 × 50.8 cm, Jet d'encre sur fibre d'agave Hahnemühle, signé à la main, édition de 15 / Inkjet on Hahnemühle Agave Fibre, hand signed, Edition of 15, 2022, 1790 $, IOTA Studios

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Gabrielle Lajoie-Bergeron, "Fire and Flowers", 50.8 × 40.6 cm, Peinture vinylique et peinture aérosol sur tissus marouflé sur panneau de bois / Vinyl paint and spray paint on fabric mounted on wood panel, 2024, 1600 $, Artroduction

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Jenny Yujia Shi, "Régiment du Matin", 20.5 × 15.5 × 0.7 cm, Papier découpé et médias mixtes entre plexiglas avec quincaillerie / Paper cut-outs and mixed media between Plexiglas and hardware, 2023, 920 $, The Blue Building Gallery

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Michael Thompson, "Zinnia", 22.9 × 30.5 cm, Huile sur toile / Oil on Canvas, 2023, 2000 $, Franz Kaka

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Clara Cousineau, "Mise en relief A-Z - noir sur blanc (y)", Impressions en relief sur support gaufré / Relief prints on embossed support, 2022, 670 $, Collection Art Volte

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Rosi Maria Di Meglio, "Deux Mille Vingt-Trois", 25.4 × 20.3 × 6.5 cm, Huile, fusain sur panneau de papier argile fait main / Oil, charcoal on handmade clay paper panel, 2023, 950 $, Galerie Lacerte art contemporain

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## 3. Les multiples et les œuvres sur papier sont vos amis

- Les œuvres produite en multiples - par exemple, les photographies, les gravures (comme les gravures taille-douce, les lithographies ou les impressions giclées) et les sculptures créées à l'aide de moules - ainsi que les œuvres sur papier ont tendance à être moins chères parce qu'elles sont soit reproductibles et ne sont donc pas uniques, soit fabriquées à partir de matériaux moins coûteux. Les œuvres d'une édition plus importante (ex. 1/100) seront généralement moins chères que celles d'une édition plus petite (ex. 1/10), parce qu'il y a plus de versions de cette pièce sur le marché.
- Les œuvres non encadrées sont également moins chères que les œuvres encadrées. Toutefois, l'achat d'œuvres déjà encadrées garantira qu'elles sont correctement protégées et prêtes à être accrochées (et qu'elles ne resteront pas dans votre placard pendant un an avec l'intention de les envoyer finalement chez l'encadreur !).
- Par ailleurs, lorsque vous achetez des tirages, assurez-vous que l'œuvre est signée par l'artiste ! Cela permet de garantir l'authenticité de l'œuvre.

Pour vous mettre en appétit, voici quelques tirages et œuvres sur papier disponibles à Plural 2024 pour moins de 2000 $ :


Will Munro, "Sans titre (General Idea)", 33.0 × 48.0 cm, Sérigraphie, petite édition non numérotée / Silkscreen, small unnumbered edition, 2005, 1800 $, Paul Petro Contemporary Art

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Will Munro  Untitled (General Idea's)  2005  silkscreen small unnumbered edition  13 x 19 inches med res.jpg

Charlotte Guirestante Ghomeshi, "You are not aware of darkness when you’re asleep", 35.6 × 27.9 cm, Impression jet d’encre sur papier satin, Édition 1/5 /  Inkjet print on satin paper, Edition 1/5, 2022, 1100 $, Projet Commun

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Noémie Weinstein, "Intérieur, Palm Spring I", 11.8 × 17.8 cm, Crayon de couleur sur papier / Colored pencil on paper, 2019, 700 $, Blouin Division

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Ho Tam, "X-Birds, tiré de The Greatest Stories Ever Told (Les plus belles histoires jamais racontées)", 33.0 × 48.0 cm, Impression jet d'encre, édition de 5 / Inkjet print, Edition 1/5, 2022, 1500 $, Paul Petro Contemporary Art

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Ho Tam X-Birds  from The Greatest Stories Ever Told  2022  inkjet print on Xuan paper  edition of 5, #1  12 x 18 inches (image size), 13 x 19 inches (sheet size).jpg

Dara Vandor, "Search Portrait - May 1, 5:06 pm - May 8, 12:18 pm", 61.0 × 47.7 cm, Sérigraphie sur papier d'archives / Silkscreen on archival paper, 2023, Prix : Se renseigner auprès de Birch Contemporary / Pricing: Inquire with Birch Contemporary

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## 4. Les petits formats peuvent être précieux

- Les petites œuvres sont généralement moins chères et plus faciles à manipuler chez vous ; leur taille permet de les tester à plusieurs endroits dans votre espace jusqu'à ce que vous trouviez ce qui vous convient, alors que les grandes œuvres exigent souvent un mur d’accent ou un autre emplacement de premier plan.
- En plus d'offrir une plus grande flexibilité, les œuvres plus petites ont souvent un caractère plus intime, peuvent ajouter de l'intrigue à votre collection et constituent un bon point de départ pour l'achat d'autres pièces à l'avenir !

## 5. Payer en plusieurs versements

- La plupart des galeries offrent la possibilité de payer en plusieurs versements, ce qui vous évite d'avoir à payer d'emblée la totalité du prix d'une œuvre coûteuse ! Demandez au galeriste qui représente l'artiste dont les œuvres vous intéressent s’il s’agit d’une avenue possible.

## 6. Assister à un atelier ou à une visite guidée

- Bien que ce ne soit pas une nécessité, assister à une conférence ou à un atelier sur le collectionnement et écouter les expériences d'autres collectionneur·se·s sur l’acquisition d’œuvres d’art peut vous offrir une nouvelle perspective ou améliorer votre compréhension d’un processus souvent considéré comme complexe et opaque. Le Forum Plural 2024 propose trois activités intéressantes qui traitent spécifiquement du collectionnement ou présentent le travail d’artistes émergent·e·s :

Vendredi 12 avril, 11h : [SéminArts pour les 18-30 ans](https://www.plural.art/programmation/seminarts-pour-les-18-30-ans-atelier-dinitiation-au-collectionnement-de-lart-contemporain-et-son-marche-2), un atelier d'initiation au collectionnement d'art contemporain et au marché de l'art (en français - inscription obligatoire)

Samedi 13 avril, 15h : [First Look, une visite guidée](https://www.plural.art/programmation/first-look-2-2) avec Tatum Dooley, présentant des artistes exposé·e·s pour la première fois à Plural (en anglais)

Dimanche 14 avril, 12h : [La foire vue à travers les yeux d’un collectionneur](https://www.plural.art/en/programmation/the-fair-through-the-eyes-of-a-collector), une visite guidée avec le collectionneur Raja Hanna (en français)

## 7. Utilisez les filtres en ligne de Plural pour effectuer une recherche par prix

- Chercher des œuvres en fonction de leur prix dans les foires d'art peut parfois s'avérer épuisant et frustrant ; il est peut-être facile de trouver des œuvres qui vous plaisent, mais elles sont souvent bien au-delà de votre budget. Heureusement, Plural dispose d’une plateforme en ligne qui centralise les œuvres exposées à la foire, les rendant accessibles via une interface pratique, organisée par galerie. Ce portail met à disposition des outils de recherche permettant de filtrer les œuvres selon le nom de l’artiste, les dimensions, ou le prix. C'est un excellent moyen de découvrir des œuvres qui vous plaisent et qui correspondent à votre budget, tout en identifiant l'artiste et sa galerie. Ainsi, vous pourrez les retrouver facilement sur place lors de la foire, du 12 au 14 avril 2024, afin de choisir l’œuvre parfaite pour vous.

[Créer un compte et consulter le catalogue d’œuvres d’art (du vendredi 12 avril à midi au 3 mai 2024)](https://www.plural.art/en/creer-un-compte)

Commencez votre recherche avec cette sélection d'œuvres disponibles pour moins de 2000 $ à Plural 2024 : 


Alexandra Levasseur, "Le dernier jour de l'été", 38.0 × 30.0 cm, Gouache, peinture à l'huile et grès émaillé sur bois / Gouache, oil paint and glazed stoneware on wood, 2024, 1550 $, Galerie C.O.A

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C.J. Chueca, "TU YO", 30.0 × 20.0 × 5.0 cm, Céramiques et émaux construits à la main, Edition de 2 + 1 épreuve d'artiste (chacun unique) / Hand-built ceramics and enamels, Edition of 2 + 1 Artist Proof (each unique), 2022, 1950 $, Plataforma Artbase

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Olivier Moisan-Dufour, "Construction multicolore #11", 28.0 × 14.0 × 14.0 cm, Bois et acrylique / Wood and Acrylic, 2022, 950 $, Galerie C.O.A

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Dil Hildebrand, "Palissade", 30.0 × 54.0 cm, Gravure en relief sur papier kozo, monotype / Woodblock relief print on kozo paper, monotype, 2023, 1610 $, Pierre-François Ouellette art contemporain

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Marie-Claude Marquis, "Prête pour mon Pap Test", 23.5 × 23.5 × 5.0 cm, Typographie sur assiette vintage / Typography on vintage plate, 2023, 825 $, Galerie Robertson Arès

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Louis-Charles Dionne, "Dossier sans titre",  Tablette de quartz / Quartz Tablet, 24.1 × 28.6 × 2.5 cm, 2023, 1290 $, Collection Art Volte

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